Il filo nascosto

Dieci anni fa il volto di Day-Lewis era coperto di petrolio e la sagoma scura di Daniel Plainview si muoveva tra le linee orizzontali del deserto e quelle verticali delle trivelle. Gli staccati violenti dell’accompagnamento musicale seguivano i suoi passi lungo una regressione animalesca, verso la totale vittoria della materia sullo spirito.
Alla seconda collaborazione con l’attore britannico, Anderson orchestra una sceneggiatura che porterà il protagnista a sperimentare una nuova regressione: si tratta però, questa volta, di un abbandono della materialità, della dimensione corporea, in favore del sentimento.
L’aridità degli esterni del paesaggio americano si è col tempo evoluta nell’elegante sistema di interni delle Maison londinesi, un sistema che che si fonda sulle linee sinuose del corpo femminile. Sono le donne a popolare l’universo lavorativo di Raynolds Woodcock, sarto impeccabile e di successo, ma al contempo rappresentante di una concezione della moda che dovrà cedere il passo alle pretese “chic” della borghesia.
Dedito alla sartoria fino dall’adolescenza, Raynolds è cresciuto lavorativamente al fianco della sorella Cyril e insieme condividono un’etica professionale fatta di norme ferree e sterilità affettiva. Il rapporto tra Raynolds e Cyril, durante la prima parte della pellicola, rappresenta tuttavia una falsa pista per lo spettatore: ci si illude di trovarsi di fronte ad una dinamica già incontrata in “The Master”, dove i coniugi Dodd riuscivano con cinismo ad esercitare il controllo su Freddie, il personaggio interpretato da Phoenix.
Le possibilità che “Il Filo Nascosto” prosegua su questo tracciato, sono piegate dalla forza -sia sul piano della sceneggiatura che su quello dell’interpretazione- del personaggio di Alma.
La donna alla quale inizialmente Raynolds si approccia con un controllo da Pigmalione, tentando di addomesticarla e inglobarla nel suo mondo di divieti, rappresenta la vera “sarta” della pellicola: è lei, in veste di narratrice, a sbrogliare la matassa di sentimenti che tormentano il protagonista, a tessere in crescendo l’intrico dei rapporti di forza all’interno della coppia.
Attraverso la scrittura del personaggio di Alma, Anderson inverte quella che era stata una costante dei suoi precedenti lavori: a partire da “Sydney”, passando per “Magnolia” e “Il Petroliere”, fino al già citato “The Master”, i rapporti tra i personaggi principali ci venivano presentati in modo fortemente gerarchizzato, poco soggetti a cambiamenti nello svolgersi della trama. Alma invece, da creazione e musa, riesce a divenire per Raynolds un surrogato materno, vera artefice della sua resurrezione emozionale.
Da parte sua Woodcock è privo della meschinità di Lancaster Dodd o della freddezza di Daniel Pleinview, personaggio pronto a sottostare ad un rito battesimale per puro interesse materiale: il rito di purificazione che Woodcock accetta negli ultimi minuti del film è reale e prevede una vera e propria rinuncia della fisicità, viene accolta la sofferenza della malattia per poter raggiungere la completezza dell’amore.
Affrontando una tale complessità di moti interiori e relazioni tra personaggi, Anderson raggiunge forse, dal punto di vista della scrittura, l’opera più completa e misurata.
Il lirismo e la giustapposizione delle scene che caratterizzavano fortemente “The Master”, vengono inglobati all’interno di una prosa narrativa dall’accuratezza sartoriale; la stasi descrittiva prevale sul dialogo, i silenzi tra i personaggi si fanno eloquenti e si rivelano spesso la forma di comunicazione più universale e intensa. Sono molte le scene che vedono Raynolds e Alma fronteggiarsi senza parlare, inquadrati insieme, frontalmente. Percepiamo lo spessore dei loro pensieri, il peso del loro silenzio, sebbene Anderson, tenendo fede ad uno dei suoi stilemi più evidenti, lasci raramente dei momenti di completo silenzio all’interno della pellicola. Alla luce di questo le composizioni di Jonny Greenwood acquisiscono se possibile ancora maggior rilevanza. Risultano essere qualcosa di più rispetto ad un semplice accompagnamento o strumento si spettacolarizzazione: la colonna sonora si fa portavoce del flusso ininterrotto di sentimenti inespressi verbalmente, diviene lo specchio delle percezioni e dei movimenti che agitano in modo costante i personaggi.
Con la sintesi più pura dei mezzi espressivi cinematografici Anderson riesce a far parlare le immagini e il sonoro, aggirando la retorica verbale e narrativa.